La persona en el arte sigue siendo el tema principal. Los pintores y escultores transmiten diversas imágenes de una persona. Un retrato de una persona es un reflejo del mundo interior, el estado de ánimo de un individuo. Sin embargo, con el tiempo, las personas cambian, lo que significa que el arte de representar a una persona también cambia.
Escultura VI - principios del siglo V a.C. Escultura VI - principios del siglo V a.C. En la era de la Antigua Grecia, los maestros escultores representaban con mayor frecuencia a atletas jóvenes con las manos presionadas contra el cuerpo y las piernas extendidas hacia adelante. Los escultores griegos tomaron prestado mucho del Antiguo Egipto, las esculturas griegas se crearon de acuerdo con los cánones egipcios, lo que tuvo un gran impacto en el desarrollo del arte en la Antigua Grecia.
Escultura de la primera mitad del siglo V. ANTES DE CRISTO. Escultura de la primera mitad del siglo V ANTES DE CRISTO. En este momento, los maestros retrataron a los atletas, ganadores de los Juegos Olímpicos. A los grandes escultores se les encomendó glorificar la imagen heroica de un ciudadano valiente y fuerte como un defensor confiable de la antigua ciudad-polis griega.
Pitágoras, estatua de Jacinto, siglo V A.C. El héroe Hyacinth, el favorito de Apolo, fue asesinado accidentalmente por el dios sol que arrojó un disco durante las competencias de gimnasia. Una hermosa flor brotó de las gotas de su sangre, y Pitágoras trató de transmitir cierta acción en su escultura: el joven héroe está mirando un disco volador.
Pitágoras, estatua de Kifared, siglo V A.C. La estatua demuestra la capacidad del autor para superar la planitud y frontalidad de la escultura arcaica en una imagen tridimensional de un músico sentado. La figura se distingue por el laconismo monumental de las formas y la originalidad por la construcción compositiva cerrada.
Myron, estatua del Discobolus, siglo V A.C. Myron es uno de los mejores maestros de la Antigua Grecia. El escultor ateniense se destacó por su asombroso don de transmitir la belleza humana. Su estatua del Discobolus es sorprendente por su grandeza. La imagen de la bola de discoteca parece natural y real. Myron es el primer escultor de la antigüedad en representar a una persona en movimiento.
Polycletus, estatua de Doryphoros, siglo V A.C. El segundo escultor más grande fue Polycletus. Fue Policleto en el período clásico quien encarnó la imagen de un ciudadano hermoso y valiente de la polis. En sus estatuas, el maestro trató de transmitir las proporciones perfectas del cuerpo humano, basándose en cálculos matemáticos.
Polycletus, estatua de Doryphoros, siglo V A.C. El maestro transmitió muy sutilmente la plasticidad de un cuerpo musculoso sano. La persona está representada lista para la acción, brilla con vitalidad. El joven está de pie como si todo el peso del cuerpo se dirigiera a una pierna y la otra ligeramente doblada, como en un paso mesurado. La cabeza inclinada y girada hacia el hombro derecho crea la impresión de una consideración relajada. La belleza del cuerpo humano se revela en la proporción de piernas elásticas y volúmenes poderosos del pecho y los hombros.
Praxiteles, estatua de Afrodita de Cnidus, siglo V A.C. Praxiteles es uno de los escultores interesantes de la Antigua Grecia. Este escultor realizó un trabajo en mármol, gracias al cual creó hábilmente un suave juego de luces y sombras en sus obras. Su escultura, Afrodita de Cnidus, gozó de gran fama. La estatua se distingue por la nobleza, la gracia, la gracia apasionada y al mismo tiempo virgen. Fue en ella que Praxitel fue el primero en representar toda la belleza del cuerpo femenino.
Lisipo, estatua de Hércules luchando contra un león, siglo V A.C. La obra del escultor Lisipo también es única. Lisipo se esforzó por crear la imagen de una persona ideal. De todas sus obras, la más llamativa es la escultura de Hércules con un león. Aquí la belleza del cuerpo humano se transmite en tensión muscular. El león está representado en dinámica, la pose de un león jadeante es inestable y el hombre, por el contrario, se sostiene con firmeza y confianza, demostrando abiertamente la belleza y la fuerza de su cuerpo ideal.
Los griegos, pensando que un cuerpo hermoso debería tener un alma hermosa, inventaron el ideal de la belleza. Los antiguos griegos fueron los primeros en pensar en lo que debería ser una persona maravillosa y cantaron la belleza de su cuerpo, el coraje de la voluntad y el poder de la razón. Habiendo estudiado los cánones de dibujo de los maestros egipcios, los griegos encontraron nuevas formas de representar una figura humana. No les gustaron las cabezas anormalmente grandes de los egipcios en los dibujos, el giro del torso y las piernas. El primero en inventar la imagen proporcional de la figura humana y el sistema de división del cuerpo humano fue el escultor Policleto en el 432 a. C. Este sistema es similar al sistema de transmisión de proporcionalidad que todavía usamos hoy. Los griegos afirmaron que hay 8 cabezas en un cuerpo humano. El conocimiento de los antiguos griegos perdió su colorido mitológico y adquirió el carácter de ciencia, por lo que intentaron explicar la belleza como una forma de ser. Pitágoras creía que la belleza proviene de la armonía y la proporción de tamaños. Incluso buscó la proporción numérica adecuada. Un rostro se consideraba bello si podía dividirse en varias partes iguales (tres o cuatro). A las tres, las líneas divisorias pasaban por la punta de la nariz y el borde superior de la ceja; a las cuatro: sobre el borde del mentón, a lo largo del borde del labio superior, a lo largo de las pupilas, a lo largo del borde superior de la frente y a lo largo de la coronilla.
Los artistas griegos se esforzaron por la realidad de la imagen, trataron de representar el mundo real con la mayor precisión posible. La naturaleza era la fuente del conocimiento y, por lo tanto, el aprovechamiento de la naturaleza era la base del método de enseñanza. La línea jugó un papel principal en el dibujo.
En la antigua Grecia, se daba gran importancia a las formas del cuerpo humano, existía un culto al cuerpo. Esto se evidencia en las obras de arte supervivientes: escultura, pintura de vasijas, cerámica, que representan muchos tipos humanos diferentes, a menudo estilizados. La idea de la belleza de una persona, en primer lugar, se asoció con sus cualidades morales positivas. El hombre guapo era la personificación del coraje, la fuerza racional y la concentración; un joven hermoso: un símbolo de agilidad, encanto y varias otras virtudes inherentes a su edad. La apariencia externa de una persona, por así decirlo, simboliza un cierto nivel de su mundo interior. En un mundo donde la armonía del cuerpo se entendía como expresión de la armonía del espíritu, lo feo significaba falta de razón, nobleza, fuerza, carácter, actuaba como una negación de los valores positivos.
La tarea: Considere los principales tipos de jarrones griegos y temas de pintura. Realice un trabajo creativo pintando un jarrón sobre el tema "Deportes olímpicos" o "Mitos griegos antiguos".Imagen de una persona en la cultura antigua de Egipto. La imagen de una persona en el arte de la Antigua Grecia: la belleza y perfección del diseño del cuerpo humano ideal.
Pintores y escultores transmiten su actitud al mundo a través de determinadas imágenes. Al representar a una persona, el maestro nos muestra sus ideas sobre la belleza. Sin embargo, estas ideas han cambiado con el tiempo, y la confirmación de esto son los antiguos monumentos del arte.
Con el tiempo, las personas cambian, lo que significa que el arte de representar a una persona también cambia. Veamos cómo se retrató a una persona en la era de la Antigua Grecia.
Escultura VI - principios del siglo V. antes de Cristo mi.
Si miramos las ilustraciones que representan esculturas de la era de la antigua Grecia, notaremos que los maestros representaban con mayor frecuencia a jóvenes atletas con las manos presionadas contra el cuerpo y las piernas extendidas hacia adelante. La pose elegida no fue accidental. Los escultores griegos, al crear sus obras de arte, tomaron prestado mucho del Antiguo Egipto. Entonces. esta imagen se correspondía plenamente con los cánones escultóricos egipcios, que tuvieron un gran impacto en el desarrollo del arte griego. Un canon es un conjunto de reglas que rigen el arte de un determinado período o dirección, así como una determinada obra que sirve de modelo. Se cree que el canon es "la ley y medida de la belleza".
En los siglos VI-V. antes de Cristo mi. Los maestros griegos también recurrieron a otro tipo de escultura, que se denominó "corteza", es decir, "niña". Las diosas representadas en la era arcaica se asemejan a bellezas mortales, sus figuras están impregnadas de feminidad y lirismo.
Escultura de la primera mitad del siglo V a p. e.
En este momento, los maestros generalmente representaban a los atletas: ganadores de los Juegos Olímpicos. Fue este tema el que siguió siendo líder en el arte de los plásticos a lo largo del siglo. Una pequeña figura de bronce de un joven que se prepara para saltar es un modelo de escultura que comenzó en el siglo V. antes de Cristo mi. A los grandes escultores se les confió la glorificación de la imagen heroica de un ciudadano valiente y fuerte como un defensor confiable de la antigua ciudad griega: la polis.
Escultura de myron
Uno de los mejores maestros de la Antigua Grecia es Myron. El escultor ateniense se destacó por su asombroso don de transmitir la belleza humana. Su obra más famosa, "Discobolus", sorprende por su grandeza.
Presta atención. cómo el maestro describió la apariencia de una persona. La imagen de una bola de discoteca parece natural, real. Myron es el primer escultor de la antigüedad en representar a una persona en movimiento.
Otras obras de Myron incluyen el grupo escultórico "Athena y Marsyas"
Escultura de Polycletus
El segundo escultor más grande del siglo V. antes de Cristo mi. fue el destacado escultor Policleto. El tema principal de su trabajo fue también un hombre, un atleta ganador. Fue Policleto en el período clásico quien encarnó la imagen de un ciudadano hermoso y valiente de la polis, lo que entusiasmó a los escultores de la antigüedad. En sus estatuas, Policleto trató de transmitir las proporciones perfectas del cuerpo humano, basándose en cálculos matemáticos. Los antiguos atribuyeron al escultor una obra célebre llamada "Canon". Polycletus estaba construyendo un sistema estrictamente pensado
proporciones de todas las partes de la estatua. Se considera que una de las estatuas más famosas de esa época es su "Dorifor", un joven que lleva una lanza.
Eche un vistazo a esta estatua: cuán sutilmente representa el plástico de un cuerpo musculoso sano. La persona se muestra lista para la acción, brilla con vitalidad. El joven se pone de pie como si todo el peso del cuerpo se dirigiera a una pierna y la otra ligeramente doblada, como en un paso mesurado. La cabeza inclinada y girada hacia el hombro derecho crea la impresión de una reflexión relajada. La belleza del cuerpo humano se revela en la proporción de piernas elásticas y volúmenes poderosos del pecho y los hombros. En la antigüedad, el mismo "Dorifor" a veces se llamaba el "canon de Policleto", considerando que el maestro creó la estatua para que otros artistas pudieran usarla. acomo modelo.
Escultura Fidias
Cicerón sobre Fidias: “Cuando creó a Atenea y Zeus, no había ningún original terrenal frente a él que pudiera usar. Pero en su alma vivía ese prototipo de belleza, que encarnaba en la materia. No es de extrañar que digan de Fidias que trabajó en un estallido de inspiración, que eleva el espíritu por encima de todo lo terrenal, en el que el espíritu divino es directamente visible, este huésped celestial, en palabras de Platón ".
Un representante destacado de la escultura griega antigua del siglo V. antes de Cristo mi. es Fidias, el gran maestro de los clásicos maduros. Bajo su dirección, se llevó a cabo la decoración del Partenón, el edificio central de la Acrópolis de Atenas. En el interior del templo se encontraba la famosa escultura de la Virgen Atenea, creada por Fidias con oro y marfil. La segunda escultura de Atenea estaba frente al santuario y estaba hecha de bronce. Estas obras son sorprendentes por su naturalidad.
Escultura de Praxiteles
Este escultor realizó un trabajo en mármol, gracias al cual creó hábilmente un suave juego de luces y sombras en sus imágenes. Eche un vistazo a su estatua "Afrodita de Cnido" (Fig. 3). Este trabajo gozó de gran éxito. La estatua se distingue por la nobleza, la gracia, la gracia apasionada y al mismo tiempo virgen. Fue en ella que Praxitel fue el primero en representar toda la belleza del cuerpo femenino.
Creatividad JIucunna
Las creaciones de este maestro también son interesantes. Lisipo se esforzó por crear la imagen de una persona ideal. Es notable su estatua de "Apoxiomenos", un atleta que limpia el cuerpo con un raspador. La escultura tiene una estructura bastante compleja, refleja todas las leyes de la proporción.
Un grupo de esculturas que representan las hazañas de Hércules llama la atención por su belleza. El más famoso de ellos es "Hércules luchando contra un león". La belleza del cuerpo humano se transmite en tensión muscular. Los oponentes están representados en dinámica, la pose de un león jadeante es inestable y una persona, por el contrario, se sostiene con firmeza y confianza, demostrando abiertamente la belleza y la fuerza de su cuerpo ideal.
Por lo tanto, el arte antiguo tenía como objetivo mostrar al espectador la belleza de una persona físicamente perfecta.
- Imagen de una figura humana
- en la historia del arte
- Dentro de esta forma de arte, las imágenes de una persona son especialmente raras. De vez en cuando se pueden ver imágenes humanas, menos realistas que las imágenes de animales, en tallas o en forma de figurillas, y muy raramente en dibujos. Tanto las figuras masculinas como femeninas se muestran desnudas. En este último, en algunos casos, las decoraciones son visibles. Si los rasgos faciales (ojos, boca) están claramente trazados en figuras masculinas, entonces en figuras femeninas esto es mucho menos común: solo en la cabeza de Venus de Brassempuis (Grotto de Pape, Francia) se dibujan la nariz y las cejas.
- Las imágenes femeninas de esta época representan un cierto grupo de las llamadas "Venus", aunque su anatomía está lejos de los estándares de armonía. Sus imágenes talladas o esculpidas tienen senos y glúteos grandes, lo que hace que la cabeza, los brazos y las piernas parezcan pequeños y delgados.
- "Venus de Willendorf" (Viena, Museo de Historia Natural). "Venus-era del Paleolítico fueron llamados" gordos "(" vientres ") por las características morfológicas de sus nalgas. fertilidad y simboliza la función reproductiva de una mujer
- "Venus de Losselskaya", también llamada la Dama del Cuerno ", un bajorrelieve sobre una roca caliza (tamaño - 42 cm), conservado en el Museo de Aquitania (Burdeos, Francia).
- Está representada en el plano frontal y de una manera típica de "Venus": con un resaltado volumétrico de la parte del cuerpo de la cadera. En su mano levantada hacia arriba y hacia un lado, la mujer sostiene un cuerno. Su cabeza está vuelta hacia el cuerno y su cabello cae en la dirección opuesta. La otra mano descansa sobre el estómago y se dirige hacia el pubis. La presencia del cuerno confirma la idea de que esta "venus" es un símbolo de fertilidad. Los cuernos, cuyas imágenes fragmentarias indican la presencia de un animal, como garantía de una abundancia de alimentos, tienen aquí un significado específico. El cuerpo del cuerpo está claramente trazado con una imagen clara de grandes alimentos caídos, un vientre abultado y piernas reducidas al máximo, similar a algunas adiciones vagas.
- A pesar de la posición frontal del cuerpo, el perfil de la cabeza, desprovisto de rasgos faciales, signo que indica la ausencia de una característica individual, confiere a la figura una especie de movimiento.
- La forma de la cabeza se ve mejor de perfil, que es como se muestra. Pero siempre vemos mentalmente el ojo de frente. En consecuencia, el perfil de la cara se complementa con la imagen del ojo de frente. La parte superior del cuerpo, los hombros y el pecho se perciben más completamente desde la posición frontal, ya que así es como se ven las articulaciones de los brazos y el cuerpo. Pero las manos y los pies están bien delineados solo cuando se ven de lado. Todo esto explica por qué las figuras de las personas en el arte egipcio se ven tan extrañamente planas y retorcidas. Además, era difícil para los artistas egipcios visualizar ambos pies desde la misma posición. Preferían un contorno claro, delineando el dedo gordo y el empeine. Así que ambos pies estaban representados en un lado interior, como si una persona, como en este relieve, tuviera dos piernas izquierdas. Esto no significa que los egipcios pensaran que los seres humanos tuvieran esta apariencia. Simplemente siguieron un método que les permitió capturar todo lo que parecía significativo en la figura humana. Aparentemente, el rigor de las prescripciones formales está relacionado de alguna manera con las funciones mágicas de las imágenes. De lo contrario, ¿cómo podría una persona con una mano “cortada” o “cortada” aceptar y llevar regalos a los muertos?
- En escultura, todas las figuras sentadas tienen las manos en las rodillas; Los cuerpos masculinos se tiñeron más oscuros que los cuerpos femeninos.
- Los artistas del antiguo Egipto representaron personas según los cánones.
- CANON: un conjunto de reglas y leyes que deberían tener
- ser guiado por el artista al construir un dibujo, -
- regulado en el Antiguo Egipto una especie de criterio de belleza
- El arte antiguo de Grecia y Roma muestra la belleza de una persona físicamente perfecta. La imagen de un joven atleta encarna los rasgos de una persona hermosa y armoniosamente desarrollada, en quien la belleza de un cuerpo entrenado físicamente se combina con la pureza moral y la nobleza espiritual. Con un enérgico y poderoso movimiento de su hombro izquierdo hacia adelante, se preparó para el lanzamiento de disco. Al mismo tiempo, experimenta un tremendo estrés físico, pero exteriormente permanece calmado y contenido. Parece que al escultor no le interesa tanto el esfuerzo físico del deportista como su concentración decidida y su fuerza mental.
- La estatua de Octavio Augusto fue realizada por un escultor romano en el 27 a. C.
- El tonto y enfermizo primer emperador romano, Octavio, es retratado como un atlético "hombre divino". El escultor supo plasmar el peculiar tipo de rostro y el característico peinado del emperador, enfatizar su determinación y determinación.
- El "David" de Miguel Ángel es un joven majestuoso y hermoso, lleno de valor, determinación y nobleza sin límites. Está tranquilo, pero uno puede sentir su disposición a hacer todo lo posible para luchar contra el mal, para ganar justicia. Este es un verdadero monumento a una personalidad heroica, una persona que es espiritual y físicamente perfecta. Miguel Ángel esculpe su escultura en mármol. Un gran bloque de piedra tenía defectos, tenía grietas y nadie creía que se pudiera hacer algo a partir de la masa. Pero el artista se puso manos a la obra, pensó con detenimiento la futura imagen plástica y fue capaz de "extraer" del monolito de mármol una gran imagen inmarcesible.
- Ante nuestros ojos se está produciendo una catástrofe mundial. Las personas son capturadas por las noticias angelicales de la llegada del Juicio Final en medio de sus actividades diarias. Pero la Providencia es inexorable: por la derecha, los pecadores son arrojados al infierno por una avalancha, los ángeles los empujan, los demonios los arrastran. A la izquierda, los justos ascienden al paraíso. Jesús musculoso es despiadado e inflexible en su ira, que más bien se parece al antiguo dios del trueno, encarnando la retribución. La Madre de Dios sola se hundió tristemente, simpatizando con el sufrimiento de las personas, pero sin tener derecho a ayudarlas.
- San Bartolomé está sentado sobre una piedra en la fuente. Sus ojos brillan con feroz amenaza. En su mano, el santo sostiene su propia piel, que una vez le fue arrebatada por los oponentes del cristianismo. En esta piel, Miguel Ángel representó su rostro, distorsionado por un sufrimiento increíble. El artista enfatiza que él mismo, aquí y ahora, sufre nada menos que los pecadores en el Juicio Final. La belleza de Miguel Ángel está impregnada de sufrimiento y compasión.
- Escrita en los primeros años del siglo XVI, "Judith" afirma el ideal del Alto Renacimiento, que encontró expresión en la pintura a través de la emancipación interior de la composición, la regularidad de las formas pictóricas, la belleza y refinamiento de la imagen femenina, la melodía de combinaciones lineales y coloridas.
- “Ella es hermosa e inusual - Judith Giorgione, escribe el crítico de arte A. Varshavsky. _ La hermosa Judith se ofreció como voluntaria para liberar a su ciudad natal del amenazante peligro que se cierne sobre ella. Con la cabeza del líder de las tropas enemigas, Holofernes, regresa a la casa de su padre. Los enemigos temblaron cuando la cabeza de Holofernes quede expuesta en la muralla de la ciudad, y glorificarán para siempre la hazaña de una hermosa viuda joven, su autosacrificio, su suerte, conciudadanos, aquellos a quienes salvó de un yugo extranjero, tal vez de la muerte.
- ... Se acabo. Todo ya pasó. Y mira pensativo la cabeza cortada del comandante enemigo Judith ".
- Esta imagen espiritualizada lo contiene todo: ternura y dignidad, mansedumbre y pesar, fuerza interior y encanto.
- El telón entreabierto nos revela la figura sencilla y al mismo tiempo majestuosa de una mujer con un bebé en brazos. La mirada de la madre está fija en el espectador y, al mismo tiempo, en la distancia, viendo sus futuros sufrimientos y la hazaña del Hijo de Dios, la Reina Celestial se llena de la conciencia de un gran y doloroso destino: lleva a su Hijo a las personas como un sacrificio expiatorio. Jesús en sus brazos no es solo un niño poco inteligente, es un niño serio, en cuyos ojos también se puede leer una premonición de su propio destino. Madonna camina a través de las nubes, pero sus pies descalzos se ven conmovedores e indefensos incluso en esta suave cubierta celestial. Idealidad y humanidad, equilibrio de composición y sentido de movimiento, simplicidad y sublimidad: todo esto interactúa, enriqueciéndose mutuamente.
- Grandes figuras de una madre y un bebé se muestran en el espacio convencional de la celda, amenizadas solo por un punto frío del cielo verdoso en la ventana. Los rostros de la madre, María todavía muy joven, y el pequeño Jesús están iluminados con un resplandor dorado. El rostro de Madonna es cariñoso, juguetón, le tiende una flor a su Hijo y admira cómo la estudia con una expresión seria y no infantil, flores blancas sobre un tallo verde oscuro sirven como elemento de conexión entre la madre y el bebé. Mirando de cerca, vemos en las flores de cuatro pétalos el motivo de la cruz: la futura crucifixión.
- El equilibrio de la composición, dos grandes figuras entre dos ventanas, crea una sensación de paz gozosa a largo plazo. Una luz fría y clara esculpió la frente limpia de Madonna, su media sonrisa suave y ligeramente triste y sus ojos, dirigidos hacia el Hijo. El cabello rizado rojizo-dorado de Jesús está pintado con asombroso realismo, vivacidad y calidez. La mirada del niño divino se fija en el espectador con una tristeza y una intuición no infantiles.
- Sí, el hombre es el tema principal del arte.
- En cada época histórica ha habido
- entendiendo la belleza a su manera,
- pero esta diversidad tiene algo en común….
TEMA: "IMAGEN DE UNA FIGURA HUMANA Y LA IMAGEN DE UN HUMANO EN LA HISTORIA DEL ARTE "
Objetivos:
familiarizar a los estudiantes con el proceso del artista trabajando en la imagen de una persona;
desarrollar las habilidades para dominar la técnica del dibujo;
fomentar la motivación para las actividades de aprendizaje;
enseñar a dibujar con un lápiz.
enseñar a representar las proporciones de una persona de la naturaleza y por representación
Equipo: ayudas visuales: 1) “Grandes artistas. Leonardo Da Vinci "2)" Grandes artistas. Michelangelo "3) esquema1, esquema2
Plan de estudios.
Dibujo de conversación, sobre los cánones de la imagen de una persona.
Declaración de la tarea artística.
Una muestra de un dibujo pedagógico.
Implementación práctica.
Resumiendo.
Durante las clases.
I. Momento organizacional.
Comprobando la preparación para la lección.
II. Mensaje del tema de la lección. Información general sobre la figura.
Dibujo - el medio más importante de estudiar y mostrar la realidad, el principio fundamental de todas las artes visuales realistas. La pintura es necesaria para artistas de todas las especialidades: artistas gráficos, pintores, escultores, arquitectos, decoradores. Es necesario para un ingeniero, un geógrafo y un médico. Hoy, en la lección, comenzará a comprender la técnica del dibujo, nos familiarizaremos con las reglas para construir una cara y un cuerpo humano.
III... Aprendiendo material nuevo.
La imagen de una persona de sí mismo en forma de pinturas rupestres esquemáticas, esculturas talladas en piedra y hueso apareció mucho antes de que se formara la idea consciente de la creación artística. La conciencia de una persona de sí misma como persona y un llamamiento a la creación artística fue el evento más grande, sin paralelo en la historia de la humanidad en términos de las posibilidades que se le presentaron. Mucho antes del advenimiento de la escritura, nuestros antepasados \u200b\u200bencontraron la oportunidad de contarnos mucho sobre su forma de vida, sobre el clima y la fauna, sobre su conexión armoniosa con la naturaleza.
En todas las épocas, el hombre ha sido y sigue siendo el tema principal de las artes visuales. Pero, sin duda, el arte antiguo se convirtió en un himno al hombre, a su belleza espiritual y física. En las imágenes de los dioses olímpicos y los héroes mitológicos, los helenos glorificaron al hombre perfecto, en quien la belleza física de un cuerpo atlético se combina con la nobleza espiritual y la pureza moral. Nadie podía alcanzar tanta perfección en la representación de una figura humana como los griegos. Las imágenes de sus diosas, dotadas de una belleza sobrenatural, dioses esbeltos y musculosos, con toda su idealidad, son vitales y naturales.
El deseo de representar la figura humana en proporciones ideales continuó en el arte del Renacimiento. Con toda su creatividad, Miguel Ángel afirmó la idea de la grandeza del hombre y la belleza de la figura humana y lo transmitió hábilmente en las estatuas de David y Moisés. Todos los maestros destacados conocían a la perfección la estructura del cuerpo humano, y cabe destacar que de todo lo que dibuja el artista, el más complejo es la figura humana. La mayoría de las obras de arte representan a una persona. Además, a menudo es el principal elemento compositivo de una pintura, por lo que un artista no puede ser un maestro de su oficio si no aprende a dibujar personas de la naturaleza y sin ella. El principio de dibujar una figura humana no es diferente de trabajar en otro modelo, es decir primero debe determinar los puntos más altos y más bajos de la forma para que el modelo se ajuste a la hoja de papel. A continuación, debe colocar correctamente la figura, determinando su posición en relación con el plano horizontal en el que se encuentra el modelo y su posición en el espacio en relación con la vertical. Para hacer esto, debe determinar la posición de la línea central a lo largo de la columna vertebral y determinar la posición del torso. Muy a menudo, en los dibujos de artistas novatos, una figura de pie da la impresión de caer. Esto se debe al hecho de que la perpendicular, bajada desde el centro de gravedad del cuerpo, está fuera de los escalones de sus piernas. Si la figura está de pie, sin apoyarse en nada, entonces esta perpendicular debe pasar entre los pies o entre ellos. Solo bajo esta condición la figura de pie dará la impresión de estabilidad.
Los artistas novatos también suelen cometer errores en proporciones básicas: o la cabeza es demasiado grande o pequeña en relación con el cuerpo, luego piernas cortas o brazos o cuello largos, como una "jirafa", un cuerpo como un "elefante", etc. Para facilitar la construcción de una figura humana, los artistas determinaron las proporciones básicas (canon), tomando alguna parte del cuerpo, por ejemplo, la cabeza, como unidad de medida. En una persona alta, la parte inferior del cuerpo (desde el pubis hasta el pie) suele ser igual a la parte superior (desde la coronilla hasta el pubis); en personas de estatura media y baja, la parte superior de la figura es ligeramente más grande que la inferior, ya que la altura de las personas cambia principalmente por la longitud de las piernas; el tamaño de la cabeza en personas altas se deposita a lo largo de la longitud del cuerpo 8 veces, en personas de altura promedio, 7.5 veces, y en personas de baja estatura, 7 veces; en una persona de pie, las manos bajas con los dedos extendidos alcanzan la mitad del muslo; si una persona de pie extiende los brazos hacia los lados, la distancia entre las puntas de los dedos de las manos derecha e izquierda será igual a su altura. Las proporciones mostradas no son una fórmula exacta que el artista deba utilizar independientemente del modelo. Cada persona, como toda creación de la naturaleza, es individual, única e inimitable, puedes comprender y ver esto solo siendo observador.
yoV. Trabajo practico.
Usando los esquemas de dibujo sugeridos, debe completar una serie de bocetos de la vida. En su trabajo, puede utilizar lápices de diferente dureza.
Durante el trabajo práctico, el profesor realiza caminatas específicas:
1) Control de la organización del lugar de trabajo;
2) Control de la corrección de las técnicas de dibujo;
3) Brindar asistencia a los estudiantes con dificultades;
V. Resumen de la lección.
1. Exposición de trabajos de estudiantes.
Esquema1 Esquema2
